Viernes Agosto 18, 2017

 

Otelo o la libertad del ser

Adactaciónr: Monica Perea (a partir del texto de Wiliam Shakespeare)
Director: Enrrique Aguilar
Actuación: Harding Junior, Fernanda Enemi, Gala Gutiérrez, Zail Rolva, Alejandro Piedras, Iván García, Adbeel Benhumea y mario Rendón (los dos ultimos alternan funciones).
Compañia de teatro: Lab. Teatro
 
 
 

 

Cuando la tomo entre mis manos soy otro

 

 

En el teatro Benito Juárez se lleva a cabo la singular puesta en escena Otelo o la libertad del ser en la que podemos apreciar varios aspectos. Uno de ellos que me sirve ahora para iniciar es que se trata del producto de una educación superior de posgrado maestría en Dirección Escénica de la Escuela de Arte Teatral del INBA que presenta Enrique Aguilar. Entonces estamos ante una propuesta escénica fresca en tanto que se trata de la concreción de un estudio (resaltamos que se trata de Maestría en Dirección) asesorado por David Olguín, Mauricio Jiménez y Martín Acosta.

Otro aspecto a señalar es que no se trata de la obra del inglés consagrado, sino de la adaptación dramática que realiza Mónica Perea (integrante del Colectivo Insolente, chicas en bici y directora de sus obras a través de los martes y miércoles de teatro en bici que inició con presentaciones en su departamento hasta lograr un espacio sin que tuviera un costo para los asistentes). El que se trate de una adaptación nos deja frente a una visión particular; por lo que si acude por el texto o por la historia de Shakespeare, debe usted saber que no verá más allá de una síntesis recreada a través de imágenes y que del texto escuchará otros parlamentos que dialogan con los del inglés. Por otra parte si usted no conoce el texto base, debe saber que tampoco lo necesita dado que se trata de una creación a partir de un texto, pero no es ese texto ni esa historia y menos esa propuesta escénica. Por lo que podemos señalar que debe acudir a ver esta propuesta nueva de Mónica Perea.

Así mismo tenemos la propuesta de iluminación de Miguel Moreno, una propuesta que deja la acción fuera del centro de luz brillante blanca, dado que se presenta a la orilla del haz de luz. El espectador mira la escena en cierta penumbra que deja en el piso caminos blancos favorables a la visibilidad completa de los actores, a veces se colorea el espacio de azul y otras de magenta sobre las camisas blancas. En el nivel de los músicos tenemos visión del baterista, apenas las siluetas del guitarrista y la bajista (cuyo sexo se percibe hasta los agradecimientos finales pues la penumbra sólo nos permite reconocer su figura y el instrumento), pero a quien no vemos más allá del teclado que resalta es al músico Alejandro Andonaegui (creador de la música original para la puesta en escena, por lo que cabe señalarlo a fin de que el público pueda ver, en algún momento a los músicos que están presentes durante toda la representación con el acompañamiento sonoro que dialoga con los cuerpos en escena.

Hemos hablado un poco del origen de la puesta en escena, de la adaptación y de la iluminación. De la música sólo mencionamos que es original, que se ejecuta en vivo salvo una pieza grabada, en todo momento hay presencia sonora que favorece los ambientes y las sensaciones. Los espectadores mantienen sus sentidos atentos porque los elementos que reúne la propuesta de Enrique Aguilar permiten que se tenga captada la atención en todo momento.

Entonces, ya dijimos que se trata de una creación nueva que dialoga con una visión y una postura, que cuenta con miles de análisis e interpretaciones, pero que afirma que nunca se ha visto en la obra la ausencia en las decisiones de Desdémona, mostrando así a un personaje femenino incapaz de accionar por sí misma sino a merced de los hombres que la rodean. Interesante observar que mientras la actriz señala la incapacidad del personaje, es ella quien se esposa las muñecas; es decir que si por una parte el texto hace una interpelación a la presencia femenina, por otra es la escena la que indica que es la misma mujer la que se mantiene auto-atada. Si esto no ha quedado claro, en otro momento es Emilia quien dice “Putas y pendejas, así nos tratamos entre nosotras” haciendo referencia a la discriminación y violencia que se ejerce de mujer a mujer.

“¿Qué estás dispuesta a hacer por un poco de libertad?”, preguntan en escena mientras los espectadores somos testigos de una diálogo entre el pasado y el presente feminicida mexicano; una escena de amor, cierta ternura y entrega mutua remata en agresión y violación. El género masculino como opresor del femenino auto víctima; a fin de cuentas los opuestos en conflicto sin ofrecer una solución o un camino nuevo que frene la ola de terror presente en nuestro México.

Estamos ante una propuesta escénica que merece ser vista desde la mirada del siglo XXI con creadores comprometidos con su presente y que, siendo conscientes de que el teatro no hace la revolución, sí se suman a la visibilidad de la situación desde una postura que señala la caducidad de ataques mutuos (hombre/mujer) y la urgencia de la gestación de una sociedad habitable para cada persona, una sociedad que viva y conviva con el otro desde la equidad; porque al hablar de la mujer asesinada se habla del discriminado, del invisible, del otro que no existe en un mundo de fuerza y poder.

El teatro tiene la fuerza para sensibilizar al espectador, por eso debe verse esta puesta en escena; el teatro tiene el poder de la persuasión para ver lo que no se ha visto en siglos: la violencia la ejerce quien tiene el poder, pero el poder de callar e ignorar ya no es más un elemento definitorio de esos otros que han sido invisibles.

Cuando la puesta en escena inicia los espectadores vamos entrando a la sala, la luz baja y ellos inician la generación de energía tal que les permite cubrir los sesenta minutos de espectáculo al tiempo de crear imágenes que emiten agresión, hartazgo y coraje. Secuencias de imágenes desfilan por el escenario a ritmo y dialogan con una realidad presente; vestidos con un traje negro, camisa blanca y descalzos, los actores se distinguen y homologan según el momento. Sobresale la participación de Mario Rendón como Iago por lo preciso de sus emociones, gestos y expresión.

Acuda a esta puesta en escena que sin duda lo confrontará, de tal suerte que será mucho mejor que lo haga acompañado para que pueda intercambiar opiniones al final de la puesta. Esperamos sus comentarios en esta página.

 

Funciones: viernes 20hrs., sábados 19hrs., y domingos 18hrs., hasta el 11 de junio de 2017

Teatro: Benito Juárez, Villalongín 15, Colonia Cuauhtémoc, cerca al monumento a la Madre, Metrobús Reforma

Localidad: $140°° general y 50% de descuento con credenciales vigentes

Accesibilidad: El ingreso es por una escalinata amplia, dentro del teatro hay rampa y la salida presenta un par de escalones; hacia los sanitarios hay una escalera angosta y de pie corto.

Duración: 60 minutos

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